martes, 12 de noviembre de 2013

ARTE ROCOCO EN ESPAÑA





Arquitectura Rococó

El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y especialmente con Francia y Alemania.


El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf. Dividida en tres cuerpos y coronada con un frontón curvo, alterna el ritmo cóncavo en sus calles laterales con el ritmo convexo en la central.


La fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito Rovira se compone de dos partes bien diferenciadas y separadas por el escudo del marqués. En la parte inferior, se describe la alegoría de los dos ríos valencianos, el Turia y el Júcar, y en la superior, aparece una hornacina que alberga una escultura de la Virgen con el Niño. Una movida decoración de inspiración vegetal recorre toda la fachada.






la fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort.
















Pintura Rococó


En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.


Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.
Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

















Escultura Rococó


Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.






Rapto de proserpina por Plutón, Francois Giradon









POST IMPRESIONISMO

Fue protagonizada por otros pintores que solo tienen en común una etapainicial impresionista y buna reacción posterior en contra de esta estética. Para los postimpresionistas no basta con reproducir instantáneamente la realidad; mas bien la observan y convierten al color el instrumento básico de su lenguaje pictórico.

El circo, George Seurat

La noche estrellada, Van Gogh

IMPRESIONISMO



El inpresionismo es uno de los movimientos pictoricos mas interesantes de la historia del arte,mpues reivindica la autonomia del lenguaje artistico y la destrucción de los convencionalismos academicos. A traves de la pintura impresionista podemos estudiar la transformacion de la imagen artistica tradicional. Entre sus antecedentes podemos mencionar:

  • los pintores de la escuela Venenciana.
  • Rembrandt.
  • Velázquez.
  • Goya.
  • Los pasisajistas ingleses, como Turner y Constable.



 Impresionismo paisajista




El movimiento pictórico denominado impresionismo nació en Paris en 1870 y es de los más importantes y reconocidos de la pintura contemporánea. El origen del nombre está en un cuadro de Monet titulado “Impresion, soleil levant”, la crítica de entonces se burló del nuevo estilo bautizándolo como “impresionista”.


El impresionismo tiene muchos puntos innovadores y originales y surgió como diferenciación del realismo, imperante hasta entonces en Francia. Puedes comprobar en los cuadros expuestos las características generales que identifican las obras impresionistas:

Se pinta la apariencia, no la existencia definida, por eso se alcanza la “desmaterialización”. No importan las formas sino el aspecto puntual.
Se pinta al aire libre (“Plein air”) para captar lo instantáneo : la luz, los contrastes, lo fugitivo, lo cambiante. Predomina lo impreciso y lo vaporoso. El pintor tiene que trabajar deprisa porque luces y colores al aire libre cambian con rapidez, y no digamos nada de las nubes, la lluvia, la niebla, la nieve, puestas y salidas de sol, etc. En los impresionistas se adivina la hora del día y la estación del año según la luz y la atmósfera. Captar el agua ( ríos, arroyos, playas) es la gran conquista de los impresionistas y les fascina puesto que está en cambio permanente.
Técnicamente se emplean pinceladas sueltas de colores puros, que hieren nuestra retina al verlos de cerca pero que, a cierta distancia, componen escenas definidas pues nuestra vista las compone. Si lo contemplas de cerca parecen cuadros emborronados, pero si te alejas, son visiones preciosas en su luminosidad y transparencia. Es la mezcla óptica que resuelve nuestro sentido de la vista. No se usa el negro, ni siquiera en los contornos, se busca el color limpio, puro y vigoroso con pinceladas separadas como si fuera un mosaico. La crítica de la época los puso a caldo, tachándolos de atrevidos y faltos de gusto.

En esta exposición que inicia la temporada 2004/2005 nuestra PINACOTECA COSSÍO muestra paisajes de los más destacados impresionistas franceses de finales del XIX como Monet, Pizarro y Sisley. Disfrútalos y observa sus bellos detalles, tratamiento de la luz, pinceladas individualizadas y colorido intenso.

Cosecha de manzanas, Camille Pissarro
Los nenúfares, Claude Monet

lunes, 11 de noviembre de 2013

ARTE MANERISTA



La noción de estilo puede ser definida como el conjunto de características formales que expresan la sensibilidad artística de una época determinada. Ésta se relaciona directamente con la situación histórica en que se vive, la mentalidad, las costumbres de un pueblo y la inquietud de sus creadores y artistas, razón por la cual los estilos artísticos varían con el tiempo. Los principales surgen en Europa y por el proceso colonialista sólo llegan a América aquellos que toman fuerza en España desde principios del siglo XV y hasta mediados del XIX. Sin embargo, nunca adquieren las mismas características existentes en Europa, ya que son interpretados con la personalidad propia de un gran continente.


Manierismo es el término que define la manifestación figurativa del alto renacimiento en el siglo XVI y que representa las formas, figuras y el espacio exageradamente pronunciados y estilísticamente alargados. Los nuevos pintores de esa época pensaron que ya no podían desarrollar más el estilo que Leonado, Miguel Ángel y Rafael habían logrado con tanta perfección. Por ello, los manieristas buscaron otra forma de expresión descomponiendo y desfigurando. Así hicieron interpretaciones personales y descubrieron el contenido simbólico de la creación artística, rompieron con los modelos clásicos y realizaron más bien composiciones asimétricas que producían la sensación de movimiento. Las piernas y brazos extremadamente largos, los cuerpos contorsionados y enroscados que contradicen las leyes de la proporción son característicos del movimiento manierista. En el siglo XVI esta pintura gozó de un gran aprecio en las cortes de Europa, en especial la francesa, pero en el siglo XVII este concepto adquirió un sentido peyorativo ya que se le asoció con una forma de expresión rígida. Entre sus representantes están Jacobo Pontormo, Parnigianino y Guiseppe Arcimboldo.


Arquitectura manierista


A partir del siglo XVl, responde a los cambios sociales, económicos, políticos y culturales, que ponen en crisis a las ciudades italianas, a partir de la formación de los estados nacionales y el movimiento de la Reforma, que será sucedido por la Contrarreforma. La búsqueda del ideal estético y la coherencia ambiental, establecida por la normativa del Renacimiento, queda invalidada por la primacía de la personalidad del artista y por el contenido aristocratizante de los temas pictóricos y arquitectónicos, bajo el auspicio de las cortes monárquicas y el papado.


“Desaparecen la armonía y el orden, y las formas se cargan de tensión y de conflictos.


Villa Rotonda, de Andrea Palladio
Villa Foscari del Benedetto




Palacio de té o Pallazo, Giulio Romano







Escultura manieris



Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna rechaza el punto de vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas.


Giambologna introduce así una creciente intranquilidad en el espectador que, en relación con las pautas clasicistas, puede resultar como así fue para los hombres de la época, de ahí su enorme éxito enigmática. La imagen constituye un problema casi imposible de resolver: dónde termina una figura y empieza otra, cuál es el juego de cortes, paralelismos y contraposiciones, son cosa sobre las que el espectador nunca tomará una decisión definitiva.









El rapto de las sabinas, Giovanni
Bologna.



Pitura manierista

a


La pintura manierista representa el otoño. Forma parte de un conjunto de pinturas dedicadas a sacralizar el poder a través de la mitología, y manifestar la armonía con las leyes de la naturaleza. En el cuadro se ve a Ariadna, a la que Dionisoha encontrado en la playa. Está siendo coronada por Venus que aparece en un forzado escorzo muy del gusto del pintor. El dios aparece revestido de hojas de pámpanos y racimos de uva.
La virgen del cuello largo, Parmigianimo


El entierro del de Conde de Orgaz, El greco





ARTE DEL RENACIMIENTO




              Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa el
siglo XIV, caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano
clásico y especialmente por su arte.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE
RENACENTISTA
-Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
-Búsqueda de la serenidad y el equilibrio
 que proceden de la armonía del todo.
-Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón
universal, les dan una validez permanente.
-Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la
religión, de la mitología o de la historia.
-Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están
reproducidos con el mayor cuidado.
-El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de
profundidad.
-Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya
anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
- Sus artistas son reflejo de una sociedad nueva, burguesa principalmente.
- La sociedad es más materialista, lo que exige mirar con objetividad las cosas, la naturaleza y el hombre.

En pintura, significa revivir un arte verosímil y naturalista
En escultura, la vuelta a cánones clásicos, al ideal de belleza human, al sentido de la armonía y el equilibrio clásico.
En arquitectura, una violenta ruptura con los modelos arquitectónicos medievales y el retorno a los elementos y técnicas romanas de construcción.


EL QUATTROCENTO ITALIANO (SIGLO XV)

La primera etapa del Renacimiento se llama Quattrocento.
Los dos mayores exponentes de la Arquitectura del Quattrocento serán Filippo Brunelleschi y León Batista Alberti. Ambos arquitectos manifiestan una genialidad desconocida hasta el momento. Entre sus obras más destacadas no podemos olvidar la Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores de Florescencia (Brunelleschi) y la fachada de Santa María Novella (Alberti).

Filippo Brunelleschi 
León Batista Alberti.


ARQUITECTURA


Este primer renacimiento supone una ruptura radical con el lenguaje característico de la Edad Media. Dos principios fundamentales asientan su nueva formulación:

  • La utilización de elementos constructivos tomados de la antigüedad clásica.
  • la búsqueda de la unidad espacial


La arquitectura se inspiró en la arquitectura clásica y podemos distinguir dos características:

• Búsqueda del orden y la proporción.
• Uso de elementos clásicos: arcos de medio punto, columnas, frontones, cornisas y cúpula


vista de la cúpula de la catedral de Santa María dei Fiori.

vista del frente de la catedral de Santa María dei Fiori.


ESCULTURA: El Quattrocento (siglo XV).

La escultura, inspirada también los modelos clásicos, se  centró en la representación del cuerpo humano.

CARACTERÍSTICAS.

Mientras que en la escultura medieval primaba el arte  narrativo (se trataba de contar secuencias, episodios  evangélicos, etc. –función didáctica‐) ahora nos encontramos  con un arte menos narrativo y mucho más sensorial: se  pretende representar figuras o escenas bellas.
Aunque siguen predominando los temas religiosos, aparecen  nuevos temas: paganos, mitológicos y
alegóricos, a imitación  de la época clásica. La figura humana es el centro de la  escultura y aparece de nuevo el desnudo.
Aparece una nueva estética: el realismo idealizado, que es lo  que se conoce como dolce stil nuevo, el dulce nuevo estilo.
Donato di Niccolo, Donatello es uno de los escultores mas importantes.

San Marcos
Replica de David Donatello 




LA PINTURA. El Quattrocento (siglo XV)

Tema central de la pintura será el del dominio
de la perspectiva LINEAL. Se buscará el
equilibrio en la composición. El paisaje irá,
poco a poco, ganando terreno: se vuelve a
admirar a la Naturaleza.

Autorretrato, Botticelli
EL CINQUECENTO (SIGLO XVI).

La segunda etapa del Renacimiento se llama  Cinquecento y se da en Italia y en el resto de Europa  durante el siglo XVI. Ahora la ciudad más importante  será Roma, en la que el Arte será patrocinado por los  papas.

El centro de la vida política y del arte se encuentra  ahora en Roma. Florencia ha perdido ya su primacía.

Las dos figuras fundamentales de la arquitectura  italiana del XVI serán
Bramante y Miguel Ángel. La  obra central, en la que participarán ambos  arquitectos, será
la de la Basílica de San Pedro del  Vaticano.

Arquitectura
El papa Julio II decide sustituir la antigua basílica paleocristiana de San Pedro por una iglesia nueva acorde con la importancia monumental.

Escalera de la biblioteca Laurentina


LA PINTURA. EL CINQUECENTO (SIGLO XVI).

Resueltos los problemas técnicos, la pintura del 
Cinquecento no tendrá otra preocupación que la 
del contenido.

Se rinde culto a la belleza: desaparece la dureza de 
los modelados y la pintura deja de emular a la 
escultura. Si en el quattrocento primó la figura 
masculina, el cinquecento es el momento del 
desnudo femenino

La luz se torna aire respirable: es el momento de la 
perspectiva aérea, que sustituye a la perspectiva 
lineal.















La gioconda, Leonardo Da Vinci
               
La ultima cena